Esta bitácora reúne mi investigación desarrollada durante el programa Viaje como experiencia de aprendizaje 2026. A partir de mi experiencia en la ciudad, estructuré el trabajo en torno a tres conceptos: sistema de escape, sistema de propulsión y la ciudad como máquina. Estos ejes se entienden como partes de un mismo proceso en el que la presión se libera, se transforma en movimiento y produce desgaste. Mediante tres ejercicios (papercut, cerámica y maqueta) traduzco estas ideas en exploraciones materiales vinculadas a las situaciones observadas y compartidas durante el viaje.

Miguel Bravo

Cuernavaca, 1988

Egresado del Centro Morelense de las Artes, donde cursó la licenciatura en Artes Visuales y se especializó en grabado. En 2017 abandona la gráfica para explorar nuevos recursos, como la pirotecnia. Desde entonces, su investigación se ha enfocado en el diseño de dispositivos pirotécnicos que le permiten indagar en los aspectos lúdicos, bélicos y rituales del fuego.

De 2022 a 2024 formó parte del programa de Maestría en Producción Artística de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. Cuenta con tres exposiciones individuales: ¿Se cebó?, CROMA, CDMX (2025); PULSÍNES, Galería El Otro Mono, Cuernavaca, Mor. (2021); y La Tuba Mágica, Galería del Centro Morelense de las Artes, Cuernavaca, Mor. (2018).

También ha participado en muestras colectivas como Nos toca ser el asteroide, La Tallera, Cuernavaca, Mor. (2024); Las ramas de los árboles rozan los cables de luz, Biblioteca Miguel Salinas, Cuernavaca, Mor. (2023); El delirante orden de las cosas, Palmera Ardiendo, Cuernavaca, Mor. (2021); Tiempo compartido, Museo Carrillo Gil, CDMX(2021); y Creación en movimiento, Centro de la Imagen, CDMX (2020).

Ha sido beneficiario del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA)en las emisiones 2016, 2022 y 2025, en las especialidades de grabado, libro de autor e instalación. Asimismo, del Programa Jóvenes Creadores (FONCA) en su edición 2019, en la especialidad de medios alternativos. Durante 2025 también fue beneficiario de la beca COBERTIZO, residencia ubicada en Jilotepec, Edo. de México. Actualmente cursa el Programa Educativo SOMA.

«¿cuáles son los andamios que designan el adentro y el afuera? ¿dónde dormimos, con quién, bajo qué techos? observar y caminar una ciudad significó pensar en las formas en que se cuela lo privado en lo público. siendo el acto de dormir algo construido socialmente como “íntimo”, busqué en las calles de nueva york aquellos momentos en los que alguien toma una siesta, descansa parado, vive a la intemperie y encuentra formas de domesticar lo público. así, el libro de artista arquitectura del dormir combina por una parte las diferentes estructuras, espacios y formas en que se podría pensar un espacio para el descanso, y, paralelamente, personas haciendo justamente eso en el espacio público. atravesadas por formas de nombrar, en distintos idiomas, el sueño, las siestas, las formas de dormir y el cansancio que las atraviesa, mi bitácora busca pensar el descanso, el trabajo y el tiempo en nueva york. esto implica también sospechar de las maneras en que se organiza la vida dentro de una economía que exige continuidad, velocidad y presencia a contra reloj. siendo una ciudad que condensa el ritmo del capital, este «mundo de mundos» insiste en el hacer, producir y avanzar. en ese contexto, descansar no es sólo detenerse, sino interrumpir una lógica que mide el tiempo en términos de rendimiento: usos no previstos del espacio, apropiaciones mínimas, conexiones con quien existe atravesando las una y miles ventanas.

dormir en el espacio público desacomoda esas lógicas: vuelve visible aquello que suele quedar resguardado en lo privado y, al mismo tiempo, evidencia las condiciones desiguales que determinan quién puede descansar, dónde y en qué condiciones. los cuerpos que duermen en la calle no sólo señalan una falta de acceso, sino que también ensayan otras formas de habitar la ciudad: ocupar un banco, recargarse en una pared, hacer de un umbral un lugar de pausa. pequeños gestos que reconfiguran el uso de lo público. así, el descanso aparece no sólo como una necesidad, sino como un punto de tensión entre cuidado y exigencia, entre visibilidad e invisibilidad. pensar cómo se duerme en nueva york es también preguntarse por la distribución del tiempo, pensar cómo, dónde y cuándo se descansa en nueva york es preguntarse por la distribución del tiempo, por el acceso al refugio, por la legitimidad del ocio y por las formas en que el sistema —con sus estructuras sociales, económicas y espaciales—organiza incluso nuestros ritmos y decide a qué velocidad va el reloj. en ese cruce, el descanso deja de ser únicamente íntimo y se vuelve también una forma de lectura de la ciudad.»

\

María José Casazza

Xalapa, 2000

Artista y coordinadora editorial. Estudió la licenciatura en Arte Contemporáneo de la Universidad Iberoamericana de Puebla y actualmente desarrolla su práctica artística dentro del Programa Educativo SOMA (2024-2026) en la Ciudad de México. En 2022 cursó el programa de estudios artísticos colectivos ‘Imán’ gestionado por Error y La Verdi, y es parte de la primera generación de LABIAR (2021, Lolita Pank). Colabora continuamente desde 2022 con Athenea Papacostas y asesorando proyectos editoriales y en residencias artísticas como Error proyecto y The Lab Program en Ciudad de México. Actualmente forma parte del equipo de producción en Alias editorial.

Genera lecturas performáticas, talleres y acciones colectivas como forma fundamental de relacionarse a través de su práctica, como ‘cien cartas esculpen un espacio’ (SOMA, 2025), ‘Sobre Camas’ (Error Proyecto, 2024), ‘Escrituras encamadas’ (Patio Trasero, 2024), y Paisaje de lo Íntimo (2021-). En 2024 publicó su libro «Sobre Camas», impreso en el taller de ediciones económicas.

Ha expuesto su obra individual y colectivamente; algunas muestras destacadas son ‘QUe el manantial de un río extraño sea tu ombligo’ en el Museo de Antropología de Xalapa (Veracruz, 2026), ‘COSA MASA’ de Volumen Acme II, exposición itinerate (México, 2025-6), ‘Pequeñas revueltas’ en el Museo de Geología de la UNAM (CDMX, 2025), ‘Hiperstición’ en LATINOU (CDMX, 2025), ‘Tiemblan las paredes de la casa de los sueños’ en Espacio Cotidiano (Universidad Ibero Puebla, 2025), ‘Todos nuestros sueños aquí reunidos’ en Lolita Pank (CDMX, 2024), ‘Escrituras en presente continuo’ en el Museo Cabañas (Guadalajara, 2022), y ‘On tutorials, estereotipes and body visions’ en el Instituto Italiano de Cultura (CDMX, 2022).

Le fue otorgado el patrocino Fundación Jumex en 2025 para ‘Producción de exposiciones’ (en co-autoría con Athenea Papacostas), a realizarse en el Museo de Antropología de Xalapa en 2026. Fue acreedora del PECDA Veracruz 2023 y fue seleccionada para la VI Bienal de Arte Veracruz 2022 y 2024, y en el Encuentro Nacional de Arte Joven 2023 y 2024.

Vive y trabaja en la Ciudad de México.

Notas: nyc

Nueva York no deja ver: rebota. La luz no ilumina, se multiplica. Llega desde todos lados. En los edificios —en esos cuerpos de vidrio que parecen no terminar— mi mirada no se posa, resbala. Creo estar frente a una fachada y en realidad quedo atrapado entre capas: cielo, calle, reflejo, otra vez cielo.

Hay un momento preciso en que dejo de saber qué miro. No es confusión: es exceso. Todo está demasiado disponible. La luz convierte cada superficie en una pantalla involuntaria. El reflejo no repite, interrumpe. Mete otro tiempo dentro del mismo plano. Un avión que ya pasó sigue ahí. Una nube que se fue insiste. Mi propio cuerpo aparece como un error, apenas sostenido en el vidrio.

Esta bitácora parte de ahí. De la lógica de una ciudad hecha de rebotes, de imágenes que no terminan de pertenecer a ningún lado. En ese punto se instala mi atracción: en la luz que desplaza todo apenas lo toca. Busco la interferencia, el momento en que la imagen se desajusta.

Me interesa lo que queda cuando la imagen deja de coincidir con lo que muestra. La imagen llega tarde, pero deja una marca. Una insistencia.

Roberto Elías

Acapulco, 1993

Roberto Elías explora los vínculos entre territorio, cuerpo y memoria. Su práctica artística se desarrolla en contextos de tensión social para revelar formas de resistencia frente al olvido sistemático. Apunta a lo íntimo para exponer lo colectivo y documenta los rastros de la violencia que permanecen ocultos a la vista.
Estudió Artes Plásticas y Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda (2014-18) y cursó la maestría en Producción Artística en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (2022-24). Actualmente, participa en el programa Educativo SOMA.
Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Postales de Acapulco, SOMA, CDMX (2025); ¿Hacia dónde se dobla la maleza?, La Quebrada Espacio de Arte, Acapulco (2023); Resquicios Porteños, PANDEO (2018); Vástagos, Museo Histórico Fuerte de San Diego (2018); Saldo Blanco, Galería Principal ENPEG, La Esmeralda (2017). Además, ha participado en exposiciones colectivas como: Museo Móvil desde el jardín, La Clínica, Oaxaca (2024); Apocalipsis Tropical, Córdoba Lab, Oaxaca (2024); Las ramas de los árboles rozan los cables de luz, Galería Miguel Salinas, Cuernavaca (2023); XLIII Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes (2023); ¿Cómo se genera una ola?, Museo de la Ciudad de Cuernavaca (2021); En el Umbral del Tercer Milenio, Casa de la Cultura Azcapotzalco (2018); Las Manos Quietas, Galería Central, Centro Nacional de las Artes (2018).

Esta bitácora aborda las distintas formas en que la violencia y el control atraviesan el espacio urbano y la vida cotidiana. A partir de elementos como el pato, las armas y los elementos del arte urbano se retratan  las tensiones que emergen de los procesos migratorios, los desplazamientos forzados y las transformaciones de la ciudad bajo dinámicas económicas que redefinen quién puede habitar determinados territorios. El proyecto establece un diálogo entre Nueva York y la Ciudad de México haciendo énfasis en los procesos de gentrificación los cuales generan fricciones entre quienes han habitado históricamente ciertos barrios y quienes llegan atraídos por nuevas oportunidades o condiciones de vida. Resultando actualmente en un proceso de migración de gente de Nueva York a la Ciudad de México al verse sobre pasados por los costos de vivienda en su propia ciudad, contribuyendo al aumento de costos y a la expulsión gradual de habitantes de zonas centrales de la capital mexicana. Generando así un circulo de rechazos que se extienden de ciudad en ciudad pero que mantienen una relación ligada al poder adquisitivo, la lucha por el espacio público y el derecho a la vivienda accesible en las zonas centrales de las grandes urbes.

Josuka Hernández

Ciudad de México, 1995

Jos “SML”, artista mexicano. Aprendió por medio del grafiti y el arte urbano, siendo la calle una de sus principales estructuras educativas, fue parte del Programa Educativo SOMA generación 2026. Su trabajo artístico explora las interacciones de poder, control y autoridad y su efecto directo en las primeras etapas formativas de una persona partiendo de la escultura y elementos urbanísticos como mobiliarios y juegos infantiles que son parte de las zonas industrializadas.

Querido Dia Beacon:

A principios de abril tuve la oportunidad de viajar a Nueva York y visitar Dia Beacon. La pieza que más recuerdo, que no he dejado de pensar, es Long Term View de Michael Heizer.

Desde hace algunos años, exactamente desde 2019, practico escalda deportiva y boulder. Lo primero que que pensé al ver esa roca fue: ¿se podrá escalar?

Luego me sentí un poco mal, porque que quizá no estaba siendo una buena artista y admirando la obra como se supone que deberíaÑ contemplándola, casi meditando, llevando mi pensamiento al aquí y ahora.

Siempre me excuso diciendo que no estudié arte y por eso a veces no pienso artista. Pero después de casi dos años en SOMA creo que ya puedo decir que estudié arte, y por lo mismo me atrevo a escribirles para pedir que me dejar escalar Long Term View.

No soy una artista experta ni una escaladora experta, espero no se decepcionen. Después de casi siete anos escalando no he logrado pasar de V5; solo he terminado dos V4. Pero quisiera intentarlo.

Según mis diagramas, su roca es aproximadamente un boulder V12. Me interesa la medición del cuerpo frente al tiempo geologico; incluso como una pequeña inversión del «no tocar» museístico. También me interesa una pregunta técnica que quizá es escultórica o quizá geológico ¿como decidió Michael cual era el arriba y cual era el abajo de la piedra?

Porque, honestamente, si me dejaran volverla seria mas fácil escalarla.

Y si no es posible escalara, quizá podríamos considerar, con el mismo rigor tutorial, la posibilidad de voltearla.

Gracias por considerar esta propuesta.

Atentamente,

Elianne Islas Islas

Elianne Islas

Azcapotzalco, 1995

Fotógrafa, escritora e ingeniera. En 2016 cursó el diplomado de fotografía y el programa de iniciación a la práctica artística en CENTRO ADM. Actualmente está a cargo de FECIBA TV, área del Festival de Cine de Barrio que documenta las actividades del mismo y genera contenidos de vinculación comunitaria. Trabajó como fotógrafa de imagen pública en un sindicato en Saltillo, donde llevó a cabo: La Investigación secreta sobre el sindicalismo mexicano; investigación fotográfica documental que explora las dinámicas de poder y despilfarro dentro de los sindicatos yuxtapuestas a la insatisfacción de la clase obrera que integra estas organizaciones. Cursó el seminario de producción fotográfica del Centro de la Imágen 2023 dondé desarrolló el Sindicato del fin del mundo, proyecto de docuficción donde plasma su gusto por la ciencia ficción, “El fin del mundo” y la pregunta ¿Por qué trabajar si podemos bailar?. Cursó el diplomado de narrativas transmedia impartido por el Centro Nacional de las Artes en el 2024. Fue seleccionada para el programa PES de SOMA 2024-2026 y becaria del apoyo Jóvenes Creadores en la categoría medios alternativos y performance 2025.

Julia Levstein

Córdoba, 1991

Es licenciada en artes visuales por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba. Fue parte del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella en Buenos Aires. Actualmente vive en México donde realiza el Programa Educativo Soma en Ciudad de México.

Trabaja desde el dibujo como punto de partida para derivar en textos, esculturas, videos e instalaciones. Busca un diálogo entre lo conceptual y lo sensible. El punto de tensión de los materiales resistiendo la presión de las palabras. Desde el 2020 coordina la biblioteca y archivo especializado en arte contemporáneo América Elda Nancy, un proyecto experimental en torno a las prácticas editoriales, en la ciudad de Rosario Argentina. Recibió la beca Creación del Fondo Nacional de las Artes (2019 y 2022), fue premiada en el Salón de Mayo del Museo Rosa Galisteo (2018), recibió también el premio Gabinete del Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (2020).

Algunas de sus exposiciones más recientes fueron Un lugar enorme, exposición individual curada por Clarisa Appendino en Quimera Galería, Buenos Aires. Las colectivas The walking gaze / La mirada caminante, muestra itinerante en el marco de Bienalsur, No he visto árboles de tal naturaleza en Fundación OSDE, Buenos Aires y las exposiciones individuales Diario de una escultura, acto tres en el Museo de las mujeres, Córdoba y Cerca, en Quimera Galería, Buenos Aires. En 2023 publicó su primer libro de poesía, Lo contrario a un escondite de sombras (Pan Casa Editorial).

También publicó los fanzines Diario de una escultura (2020) y Un lugar enorme (2025). Ha escrito textos para El Flasherito, Editorial Casa Trece, entre otros proyectos y ha realizado trabajos curatoriales en ferias editoriales como también de exposiciones. Es docente de la diplomatura virtual Procesos editoriales como práctica artística de la Universidad de San Martín (UNSAM).

DOBLAR LA VIGA

Plata

Generadores

Vías de escape

Callejones

Túneles 

Tuberías

Varillas 

Rejillas

Ductos

Pasajes                                                    HAAAAAYYY UN VIIIEEEEEEEENTOOOOOOOOOOOO

Rendija

Pasadizo

Vía de evacuación

Baranda

Vagones

Rieles

Prensa

Palanca

Compuerta

Ascensor

Poste                                   HAY UN VIENTO

Zafacón

Columpio 

Tobogán

Zafacón

Lavadora                                                       

Presión

Registro

Crónica 

Acontecimiento                                                                  Hay UN VIENTOOOOO

Fenómeno

Síntoma

Huella

Fricción

Comportamiento

Actitud

Esquivar 

No interrumpir

NiuYOR ciTYY

YuNairess Teiss

Asmerica

Setado SUNIDO

¨Toy RodeAO DE vAiNA ALtA´´ 

¿Qué pasa cuando la mirada y los sentidos se dejan caer desde el WTC, para caer boca arriba como una cucaracha en la sala de tu casa? ¿Qué implica volarse el fare del MTA y dejarse caer rodando por las escaleras desde el GRAN GRAND central hasta los rieles de la línea 7 pa QUEENS? Qué podrían estar pensando los que mastican y escupen; como los que te tiran luz blanca COLGATE ANTISARRO en la cara? Tragamos un poco del aire caliente de las tuberías y vamos jalarle la cola a una paloma cuando pueda ver de frente sin girar la cabeza. 

Yo, como paloma, cómo DIABLO VOY A DOBLÁ ESA VIGA??!? 

Giro durísimo la puerta de afuera hacia adentro, se mete todo el humo tallado del asfalto. Mientras meriendas borona de matcha muffin, no deja de oler asfalto. Un olor envuelto en alambre galvanizado. NO DEJA DE OLER A ASFALTO!

Este experimento/ensayo/bitácora, es una recolección de escenarios y detalles de las calles de NueVaYoL, donde está presente el acero de alguna forma. Masticar, retorcer, estirar, descomponer, comprimir y descomprimir estos archivos digitales, volverlos copia de la copia.

Una mirada histérica, obsesiva, que se deja caer, que se pierde y se disocia en el recorrido cuadriculado. Unos ojos que se arrastran contra la banqueta. Este librito o cúmulo de hojas rotas, son registro y evidencia de mi fricción con el paisaje y la infraestructura urbana de esta ciudad.

Fidel Ernesto

Santo Domingo, 1998

Artista visual multidisciplinario. En su trabajo aborda el cruce entre procesos digitales y análogos para generar imágenes/superficies/materialidades.

Fidel ha desarrollado su práctica a través del dibujo, la gráfica y el video-instalación. Graduado de Chavón La Escuela de Diseño en la carrera de Bellas Artes e Ilustración y actualmente cursando el Programa Educativo SOMA en Ciudad de México, ha presentado sus obras y colaboraciones con otros artistas en exposiciones colectivas en República Dominicana, México y Estados Unidos . Su trabajo ha sido reseñado en medios locales e internacionales como la revista Hola Pardo y C& América Latina. En 2023 fue galardonado con el 2do premio en la Bienal del Centro de la Imagen por la pieza de video-instalación “Cristo Vino: El Retablo de los Marginados”, pieza realizada en colaboración con Geraldine Rivera.

Fidel ha trabajado para artistas como Anne Peabody (Kentuchy, US) en la realización de un dibujo monumental sobre cristal para Dior y con Jorge Pineda (Barahona, RD) para la realización de un dibujo mural para “HAPPY” muestra retrospectiva del artista y en Ciudad de México en el taller Todo Wooow, espacio dirigido por Chavis Mármol.

¿Cómo atrapar un vapor?

Antes de viajar a Nueva York me interesaba observar algún ente no humano que formara parte de la vida cotidiana de la ciudad. Buscaba algo que conviviera diariamente con millones de personas y aun así pasara desapercibido. Pensé entonces en el vapor, siempre presente en el imaginario de Nueva York, y surgió una pregunta que terminó acompañándome durante todo el viaje: ¿Cómo atrapar un vapor?

Cada vez que nos encontrábamos con una de estas emanaciones grababa un video mientras caminábamos. Me interesaba registrar esos encuentros sin detener el recorrido. El movimiento de la cámara respondía al movimiento mismo del vapor: una forma que nunca termina de fijarse, que cambia con el viento, la temperatura o el paso de las personas y los autos.

La pieza reúne imágenes extraídas de esos videos. Cada still corresponde a un encuentro distinto. Juntos conforman una suerte de recorrido a través de apariciones dispersas que se repiten por toda la ciudad.

Al convivir con el vapor observé una relación ambigua. Algunas personas lo evitaban por su mal olor, otras lo atravesaban sin prestarle atención. A veces podía abarcar toda una calle; otras surgía apenas entre las rejillas de las alcantarillas y, en otras ocasiones, grandes tubos naranjas lo conducían por encima de las personas para no interrumpir el flujo constante de peatones y vehículos.

De regreso investigué su origen. Descubrí una extensa red de tuberías que recorre el subsuelo y distribuye vapor para calefacción y otros servicios. Parte de esta infraestructura lleva más de un siglo en funcionamiento. En algunos puntos el sistema presenta fugas producto del desgaste acumulado; existen incluso registros de incidentes y explosiones asociados a esta red.

Entonces comprendí que aquel olor no provenía del vapor mismo, sino del sistema que atraviesa antes de emerger.

Raisa Pimentel

Estado de México, 1991

Artista interdisciplinaria cuya práctica surge de un vínculo sensorial y afectivo construido entre la Ciudad de México, su periferia oriente y el pueblo de su familia en la Mixteca poblana. A través de la observación atenta de la materia viva, investiga las relaciones entre organismos, materialidades vivas, tecnología y territorio. Trabaja con plantas, piedras, ramas, sal, fibras, agua, paisajes sonoros, componentes electrónicos, viento y organismos apenas perceptibles para desarrollar procesos donde lo impredecible actúa como una fuerza creativa.

Forma parte del Programa Académico de SOMA (2024–2026). Estudió Diseño y Comunicación Visual de la UNAM y cuenta con una Maestría en Innovación Audiovisual y Entornos Interactivos por BAU (España). Ha participado en diversas exposiciones colectivas y festivales, entre ellos Bálsamos para lo intangible en el Centro Multimedia (CENART), Festival Hello World, 404 Festival Internacional de Arte y Tecnología y MUTEK España. Es cofundadora de TUM TUM, Festival de Arte, Ciencia y Tecnología de Mujeres y Disidencias. Ha recibido la beca Jóvenes Creadores en las categorías de Nuevas Tecnologías y Medios Alternativos y Performance.

Carolina Berrocal

Ciudad de México, 1993

Artista visual y gestora cultural con interés en las prácticas pedagógicas, el performance y la pintura. Maestra en Investigación en Artes Visuales de la UNAM.
Ha generado proyectos colaborativos como Neuróticos Artísticos y 100 estudiantes de arte dijeron, ambos proyectos interesados en crear conversaciones grupales en torno al trabajo, la salud mental y la profesionalización, generando espacios para el desahogo, el diálogo y la catarsis.

 Ha curado exposiciones como Un rugido a la distancia por Baldemar Veliz Cerda y Puntiaguda: 50 años de Gráfica Comprometida por Ana Barreto, dentro del programa BICÉFALA, Pandeo, CDMX, ambos artistas de la gráfica de la tercera edad.

Por otra parte, ha impartido talleres artístico-pedagógicos en distintos reclusorios de la CDMX con el colectivo la LLECA, y  en instituciones como Museo del Chopo, Museo Jumex, SOMA, UNAM, UFF (Brasil), Fundación Calosa, entre otros.

Ha sido beneficiaria del PAC (Patronato de Arte Contemporáneo) y el Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico, (PECDA, EdoMéx) 2019 en la disciplina de artes visuales con una investigación sobre la educación artística en distintas universidades de México.Ha tenido más de cuatro exposiciones individuales en las cuales destacan GUATA MAI DUIN, Interior 2.1 GDL; 100 estudiantes de arte dijeron llevada a cabo en distintas galerías dentro de las universidades; Vértigo Documental, Museo del Eco, CDMX; Fuga de Gas, Oro por Roca o Cuando Piensas Mucho en algo, Obra Negra Espacio, GTO. Así como participado en diversas exposiciones colectivas en Ciudad de México, Guanajuato, Guadalajara y Brasil.

Hace dos años realicé el “mismo viaje”, acompañado por un grupo diferente de amigos. Mi primer viaje a Nueva York lo hacía desde la idea de una ciudad multicultural y, en ese sentido, antes de viajar me había dado a la tarea de buscar cuántas personas vivían ahí de mi pueblo y cuántas otras hablaban la lengua de mis abuelas. Con ese interés por “reencontrarme” con mi cultura desde otro lugar, decidí utilizar micrófonos en mi cuerpo para encontrar, entre el bullicio de la ciudad, algún sonido similar al p’urhépecha. Mi voluntad por reencontrarme con un amigo de mi hermana, que migró de mi comunidad a NY, y con un hablante de p’urhépecha nacido en NY, de padres oriundos de mi región, así como por registrar una sonoridad similar a la lengua de mi pueblo, fracasó. Entonces la bitácora se convirtió en un registro audiovisual de esa imposibilidad: de estar en un idioma que se desconoce y de la historia de migración de mi abuelo materno.

Sin embargo, el último día de ese primer viaje en NY, un nuevo amigo me visitó; me regaló una botella de charanda “El tarasco” y un fragmento de su librero: un cuaderno en el que pegaba stickers que recolectaba durante algunos meses en sus trayectos al trabajo. Con la premisa de que viajar una sola vez, como cuando se lee un libro, no permite conocerlo hasta la segunda vuelta. Y consciente ahora del lugar al que se viaja y de lo que probablemente uno va a encontrar, decidí replicar la acción de Ángel para construir un archivo no solo de mi desplazamiento en la ciudad, sino también como una voluntad de conversar con el cuaderno que me regaló hace dos años. Una conversación acerca del tiempo, de los desplazamientos, de los lugares donde se camina, de las diferencias entre el viaje y otros movimientos, y de lo que uno se trae cuando viaja.

Esta conversación, como cualquier otra, tiene a muchas personas dentro de ella. Está Ángel; están Isabel y Jazmín, mis dos hermanas que migraron a Estados Unidos, y con quienes, estando en NY, quizá era la segunda vez que estaba lo más cerca posible; está Alan, compañero con el que viajé y con quien salíamos a pegar stickers por la ciudad, en los mismos andamios que esta vez se encontraban en los mismos lugares que hace dos años. Estan Eli y María, asi como las personas que caminaban junto a mi mientras despegaba los stickers, y aquellas que pegaron esos stickers que yo quité.

Durante este viaje intenté recolectar stickers como una forma de registrar mi tránsito por la ciudad: arrancar fragmentos del espacio, desplazar superficies, construir una bitácora material del recorrido. Pero los stickers no se dejaban quitar. Estaban demasiado adheridos, como si pertenecieran más al muro que a sí mismos. El tiempo del itinerario tampoco permitía insistir. Los pocos que logré desprender se rompieron en el proceso. Llegaron conmigo incompletos, desplazados de su forma original.

Fue al revisarlos después que entendí que el registro no estaba en la imagen, sino en el reverso; como en el viaje, que no se completa hasta que no se regresa, condición que lo diferencia de cualquier otro tipo de desplazamiento. Decidí hacer explícito el revés de los stickers para hacer aparecer eso que queda oculto: el pegamento sucio, los restos de muro, el polvo, las marcas del arranque. Ese gesto también reconfigura el encuentro con la bitácora de stickers que me regaló hace dos años Ángel, a quien en este viaje pude visitar más constantemente, y quien me regalo algunos libros de su librero que mostraban imágenes de mi pueblo.

Algo similar atraviesa la experiencia de la lengua. En el primer viaje buscaba encontrar la lengua de mis abuelas en la sonoridad de la ciudad, sin éxito. En este regreso, sin encontrar esa lengua, encontré otra forma de cercanía: una comunidad situada, parcial, mediada. Estar en Nueva York también implicaba estar cerca de mis hermanas, aunque no las visitara. La proximidad se redujo a una medición: capturas de pantalla que traducían la distancia en números. Otra forma de reverso.

Salvador Xharicata

Cherán, 1996

Su práctica se despliega entre el cuerpo, el lenguaje y la memoria como territorios en constante fricción. Desde un lugar de desarraigo lingüístico y corporal, su obra explora las formas en que el lenguaje se encarna, se fragmenta y se rehace a través del gesto, el sonido y el balbuceo. Xharicata entiende el acto de hablar —o de no poder hacerlo— como una experiencia performativa y política: un modo de volver a sentir aquello que fue negado. En su trabajo, el lenguaje materno y la desarticulación se vuelven materia viva para pensar la identidad como un estado híbrido y mutante, un espacio donde lo impuro, lo desplazado y lo monstruoso pueden nombrarse y existir. Su investigación aborda la memoria p’urhépecha, la historia del mestizaje y las posibilidades del cuerpo como archivo afectivo. Desde el dibujo, la pintura, el bordado, la escultura y la performance, genera situaciones que tensionan los límites entre lo oral y lo corporal, entre el error y la invención. A través de su obra busca rehabitar el lenguaje desde el balbuceo, imaginando lenguas híbridas —como el pureñol o el españolecha— que desbordan las fronteras impuestas por la colonización y la traducción.

Actualmente cursa el Programa Educativo SOMA (2024). Es egresado de la Maestría en Producción Artística en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (2024), cursó la Licenciatura en Artes Plásticas por la Universidad de Guanajuato (2021). En 2019 participó en el Taller de Escritura Etnográfica de la ENES Morelia.

Ha sido artista residente en Cobertizo (2025, Jilotepec, Estado de México), en Proyecto Garambullo/Trámite (2023, Querétaro) y en Afecto Societal II —Aparato de Arte/Curatoria Forense (2019, Guanajuato). Fue artista comisionado en la XV Bienal FEMSA (2024), becario del PECDA Michoacán (2023) y obtuvo el Premio de Adquisición en el XLI Encuentro Nacional de Arte Joven (2021), además de una mención honorífica en el 2º Concurso Nacional de Artes Visuales en Miniatura (2018).

Ha presentado exposiciones individuales como Inervaciones Corporales o ¿Cómo reincorporar el lenguaje? (2025) y Transparencia y Opacidad (2021). Su trabajo se ha mostrado en espacios como Casa del Lago (2025); Ruffin Gallery (2025); Museo de Arte de Zapopan (2024); Museo del Pueblo de Guanajuato (2024); Museo Casa Diego Rivera (2023); Galería Campeche (2023); Espacio Cabeza (2023); y el Museo Palacio de Bellas Artes (2022). Paralelamente, ha desarrollado labor pedagógica como tallerista en Nuevo Paisaje Michoacano (2022) y Paisajes de Reivindicación (2022) y en la Casa de la Cultura de Cherán (2019–2021), donde impartió clases de pintura y dibujo para infancias.